Louisa Gagliardi & Yves Scherer présentent une exposition à la Galerie Eva Presenhuber.

La Galerie Eva Presenhuber présente actuellement une exposition collective attrayante consacrée aux œuvres des artistes suisses Louisa Gagliardi et Yves Scherer. La pastiche rêveuse de Gagliardi reflète à la fois l'artiste et le spectateur, et utilise des références artistiques historiques telles que Francisco Goya et Leonora Carrington, qui sont combinées avec une esthétique numérique délibérée pour commenter l'accélération rapide de la technologie dans nos mondes visualisés et socialisés. Chaque personnage sans traits permet au spectateur de placer ses propres anecdotes, chroniques personnelles, rêves et pertes dans les contours de la composition.

En complément aux peintures sur les murs, des sculptures d'Yves Scherer sont également exposées. Fabriquées à partir d'une combinaison de matériaux, allant de l'aluminium polychrome et de lenticulaires 3D jusqu'à l'acier inoxydable et l'impression numérique, Scherer explore l'intégrité de l'existence. Plutôt que de représenter une personne ou un caractère spécifique, chaque sculpture totemique sert de moment dans une histoire ou émotion éphémère figée dans l'espace.

Les sculptures de Scherer étudient l'intégrité de l'existence, où diverses réalités fusionnent pour être présentées comme un tout unifié. Son travail est grandiose en termes de taille et de moyens, mais intime et presque capricieux par nature. L'aluminium polychrome, les lenticulaires 3D, l'acier inoxydable et l'impression numérique coexistent comme hôtes pour une gamme de sujets. Ils touchent à l'amour et au spirituel, du sexe à la fantaisie, et de l'histoire personnelle à la célébrité.

Sur le site Web de la galerie, on constate : "Eva Presenhuber est heureuse de réunir le nouveau travail des artistes suisses Louisa Gagliardi et Yves Scherer. Les peintures de Louisa Gagliardi existent comme des réflexions internes, de l'artiste et du spectateur, et de la rapide accélération de la technologie dans nos mondes visualisés et socialisés. Leur statut liminal, à la fois en tant qu'images numériques et objets physiquement confrontants, parle autant des préoccupations contemporaines des personae autogérés que des compositions et récits des classiques de l'histoire de l'art."

Le travail de Gagliardi joue avec les attentes et les satisfait tout en les minant simultanément. Ses images sont peuplées et imprimées sur des matériaux synthétiques épais, de l'aluminium brillant et des miroirs réfléchissants, et soulignent l'importance du physique aussi consciencieusement qu'elles se tournent vers le passé pour ses motifs et thèmes, des moments de drame indirectement transposés dans son mélange contemporain.

Dans l'ensemble, le travail concerne les portraits et s'inscrit donc dans une ligne du passé qui rencontre le présent total. Sa réinvention de ce genre vient à un moment où chaque appareil photo sur terre a fait de son détenteur amateur un professionnel dans la présentation de soi. Ces tableaux ajustent les moeurs sociales pour commenter le présent, tout en effaçant apparemment les divisions individuelles et collectives. Ce sont des portraits de personne en particulier et peuvent donc appartenir à quiconque le spectateur imagine.

Gagliardi aime interrompre l'espace perçu de ses œuvres avec des idées et des images de claires étendues réfléchissantes. La lumière, force compositionnelle centrale de la grande peinture depuis Caravage, révèle et abstrait ce qui est montré et vu. Avec un mélange de composition numérique et de théorie des couleurs et d'additions physiques qui brisent et approfondissent leurs surfaces soyeuses, ses tableaux émettent une aura recueillie qui parle autant du sublime que de l'iPhone. Louisa Gagliardi joue avec les attentes, les satisfait et les mine simultanément. Ce sont des portraits de personne en particulier et peuvent donc appartenir à quiconque le spectateur imagine. C'est un équilibre entre puissance et courageuse vulnérabilité, où elle parle de personas et d'histoires ouvertes à la curation de soi, en ligne et hors ligne.

L'œuvre de Scherer confronte l'intégrité de l'existence et la représentation de la forme humaine en image et dans l'espace, dans une recherche continue des artistes depuis le début. Dans ses formes sculpturales comme dans ses œuvres lenticulaires, différentes réalités sont floutées pour être présentées comme un tout. Elles touchent à l'amour et au spirituel, du sexe à la fantaisie, et de l'histoire personnelle à la célébrité. Son travail est grandiose en termes de taille et de moyens, mais intime et presque capricieux par nature. L'aluminium polychrome, les lenticulaires 3D, l'acier inoxydable et l'impression numérique coexistent pour accueillir une gamme de sujets tandis que les spectateurs réévaluent les notions mêmes d'image. La perception, biologique comme culturelle, est remise en question et démantelée.

Yves Scherer absorbe différentes influences, de l'iconographie tribale à la porcelaine de Meissen et à l'art contemporain occidental, pour créer des sculptures qui sont à la fois inquiétantes et transformatrices. Sa capacité à mêler des éléments populaires et historico-artistiques devient exaltée et énergisée : la Grèce antique rencontre un fétiche finlandais de la fin du 20e siècle, Charles Ray se conjugue à l'art local et aux emojis, la production numérique se mélange au modernisme de Rodin. Ce qui maintient son œuvre actuelle dans la tradition de la sculpture figurative, c'est la facilité avec laquelle il peut mélanger les figures de style et les styles. Scherer combine des gestes simples avec des modèles laborieux et très détaillés, créés à l'aide de divers outils, allant de simples applications iPhone à un logiciel informatique de pointe et à des processus de production. La technologie d'aujourd'hui rend son art possible, mais elle touche néanmoins à l'universel.

Les petites histoires d'amour que chaque œuvre raconte lient les œuvres présentées ici. Le réalisme est utilisé comme un moyen pour atteindre un but et les figures existent souvent en dehors de leur échelle ou couleur originale. La nature est pliée pour permettre une plus large gamme d'émotions. Dans l'extension du langage sculptural par Scherer, la fusion de la figure et de la fiction est confrontée. Chaque œuvre constitue un moment dans une histoire ou une émotion particulière figée dans l'espace, plutôt qu'un personnage, une personne ou un type. L'étrangeté d'un art flirtant avec le réel, défendant l'absence contre la chaleur d'un geste doux. Le chat est caressé, le garçon cueille des fleurs pour un être aimé, et la grande figure féminine est entourée de cœurs flottants. Scherer utilise le monde physique pour créer des constellations d'événements et d'histoires inconnues dans un émerveillement statique.

Bien que les sujets soient reconnaissables, l'œuvre de Scherer a toujours manifesté un intérêt profond pour les horreurs et l'humour de la culture contemporaine de la célébrité, déjà réduite à des stéréotypes par la société. Un modèle français populaire au début du millénaire pourrait ainsi être n'importe quelle forme idéalisée. Des fantasmes collectifs sont utilisés pour raconter des histoires personnelles. Chaque personnage dans la composition sculpturale peut servir à la fois d'alter ego pour l'artiste et de rôle vide que le spectateur peut librement investir.

Les œuvres présentées ici étudient la façon dont nous interagissons les uns avec les autres et comment nous voyons nous-mêmes dans les autres, dans tous les médias à parts égales. Les blocs de base de la figuration naïve et des récits de vie privée s'opposent à la célébrité et au spectacle.

Yves Scherer crée des sculptures à la fois effrayantes et transformatrices en absorbant ces influences variées – de l'iconographie tribale à la porcelaine de Meissen et à l'art contemporain occidental. En mêlant avec aisance différents styles et figures de style, Scherer maintient son œuvre pertinente dans la tradition de la sculpture figurative. Il utilise divers outils, des simples applications iPhone à un logiciel informatique ultramoderne et à des processus de production, pour créer ses modèles très détaillés. Chaque œuvre raconte une petite histoire d'amour et contient un moment d'émotion figé dans l'espace, montrant ainsi la fusion de la figure et de la fiction dans le travail de Scherer.

Les compositions sculpturales de Scherer se composent de personnages qui servent d'alter ego à l'artiste et de rôles vides dans lesquels le spectateur peut librement entrer. En combinant les blocs de base de la figuration naïve et des récits de vie privée avec la célébrité et le spectacle, Scherer explore dans tous ses médias comment nous interagissons les uns avec les autres et comment nous nous voyons dans les autres.

L'œuvre de Scherer montre un intérêt profond pour les horreurs et l'humour de la culture contemporaine de la célébrité, utilisant des fantasmes collectifs pour raconter des histoires personnelles. Bien que les sujets soient reconnaissables, les sculptures de Scherer sont souvent en dehors de leur échelle ou couleur originale. La nature est pliée pour permettre une plus large gamme d'émotions, donnant à l'œuvre des moments saisissants de merveillement, de joie et d'amour.

Yves Scherer, né en 1987 à Soleure, CH, vit et travaille désormais à New York, NY, États-Unis. Il est titulaire d'un MA en sculpture du Royal College of Art, Londres, Royaume-Uni, et son travail a été l'objet d'expositions solos dans divers musées et galeries en Europe et aux États-Unis, notamment au Swiss Institute de New York et au Kunsthaus Grenchen en Suisse. En 2015, Scherer a reçu un Swiss Art Award. L'exposition des œuvres de Scherer à la Galerie Eva Presenhuber à New York est actuellement dans ses derniers jours et se termine le 5 mars.